La moda y sus personajes. Los estereotipos, los códigos de indumentaria y los estilos de vida.

A lo largo de la historia del hombre- y del vestido- la moda y los estilos de vestir han ido evolucionando y adquiriendo diferentes connotaciones para quien los usa. Más allá del sentido evidente y utilitario de las prendas de vestir- abrigar y proteger del clima- o de las razones culturales, ideológicas o sociales por las cuales uno viste ciertas prendas y otras no – pudor, religión, estado civil, nacionalidad o profesión- la moda ha ido configurando fuertes lazos de identidad y pertenencia al grupo entre los individuos, para reforzar la unidad entre ellos.

Estos lazos se han reforzado con el manejo de códigos compartidos, que solamente los miembros del grupo entienden e intercambian, como un lenguaje propio. Estos códigos van más allá de las palabras, los actos y las actividades comunales: también afectan la manera de vestir y se ven fuertemente representados por ella, en lo que se conoce como código de indumentaria o dress code.

Los primeros códigos de indumentaria fueron utilizados para diferenciar al macho de la hembra en las sociedades primitivas, así como al guerrero y al chamán, del resto de la comunidad. En un principio fueron entonces la profesión y el género, los primeros elementos que necesitaron diferenciarse del resto. Posteriormente vino el estatus, la identidad nacional y finalmente la moda.

Cuando las sociedades crecieron y fueron diversificándose, los grupos que las conformaban, sintieron la necesidad de reflejar y expresar su pertenencia e ideología al resto de los grupos para, por un lado, asemejarse al propio grupo, y por otro diferenciarse de las demás agrupaciones externas a la suya.

Como resultado de estas identidades grupales, cada grupo fue desarrollando una manera característica de vestir acorde a su estilo de vida como parte de una colectividad definida. Estos grupos, actualmente llamados tribus urbanas por algunos autores, comparten un dress code particular que ha ido perfilándose como estilo de vestir.

Esto significa, que parte del código grupal se manifiesta a través de la selección y combinación de prendas de vestir, accesorios, materiales y colores específicos, que, a manera de uniforme, consiguen diferenciar a los integrantes de un grupo de los integrantes de otro.

Cada estilo de vestir, funciona de algún modo como estereotipo de ese grupo o estilo de vida. Cada combinación se ha hecho de un nombre y ha servido de herramienta a los creadores de moda para diseñar por estilos, y a los mercadólogos para enfocarse en grupos de consumidores específicos, que coinciden con esos estilos de vida e indumentaria.

Por principio, la moda es aspiracional. Y cuando se vende moda, lo que en realidad se le vende al comprador, es un estilo de vida o un personaje en el que el comprador se pueda ver favorablemente reflejado. Vender un estilo de vida es como vender un sueño materializado, es decir: se le ofrece a la persona la opción de ser otra persona; ya sea una mejor versión de sí mismo, o alguien diametralmente diferente.

Sobre la enseñanza del diseño de vestuario

Por principio, cuando a enseñanza se refiere y más en casos tan especializados como el vestuario escénico, el perfil del alumno es esencial.
El diseño de vestuario requiere de personas con corazón de niño y manos de artesano.De otro modo sólo tendremos a compradores de ropa con buen, mediano o mal gusto.

El vestuario escénico, a diferencia del diseño de modas que, por principio siempre cuenta con la presión de venderse para ser rentable, tiene a mi parecer, mayor libertad creativa.
Todo lo excesivo, loco, barroco, irreverente y desbordado que pueda llegar a ser un diseñador, encontrará un campo fértil en esta especialidad del diseño de modas.

Aunque es cierto que generalmente los presupuestos son limitados, (sobre todo en el medio teatral y cabaretesco);esta limitante opera a la manera inversa que en el caso del diseño de ropa casual, donde cada peso cuenta y presiona al diseñador, como en una carrera de ratas.
En el caso del vestuarista, el presupuesto y la funcionalidad de las prendas son sus limitantes a considerar, pero de algún modo alimentan la creatividad del diseñador, generando siempre nuevas opciones para resolver los proyectos.
Lo vistoso del vestuario radica en lo imaginativo, en la propuesta personal del diseñador, en su creatividad y bien vale decirlo, en su locura desbordada.

Es difícil enseñar esta disciplina a personas de mente cuadrada, poca audacia propositiva, que carezcan de entusiasmo o que al primer obstáculo suelten la toalla. El mundo del vestuario es una carrera de obstáculos contra reloj; pero es un mundo maravilloso donde cobran vida personajes literarios inexistentes, héroes históricos o criaturas fantásticas, que apoyados con el talento actoral, son vestidos por nuestra creatividad y trabajo minucioso.

Es por estas razones, que hay pocos vestuaristas, y menos aún, buenos, formales y dedicados a este oficio. La pasión no puede enseñarse, pero puede transmitirse a personas que no le teman a lo complejo y a lo difícil, y que vean el lado hermoso, que yo misma le veo, al vestuario: el lado de las posibilidades creativas ilimitadas y la enorme satisfacción personal, de la cual se alimenta el espíritu creador del diseñador.

Por el otro lado, el perfil del docente también es importante. Por principio, no todo aquel que mucho sabe de un tema, lo sabe transmitir. Y, en segundo lugar, no todo el que mucho sabe, lo quiere compartir sin recelo.

Por alguna extraña razón, he conocido a personas con ese perfil dentro del mundo del diseño de modas: gente que sabe pero no comparte.
Sin caer en lamentos o argumentos demasiado complicados, considero esencial la cualidad de la generosidad intelectual en CUALQUIER docente.

Lo contrario lo tomaría yo como miedo, a ser superado después por el propio alumnado, que bien podría convertirse en competencia directa. Pura inseguridad, en cualquier caso.

Nada nos cuesta a los docentes el transmitir información y tips a nuestros alumnos. Unos los aprovecharán más que otros, pero no está de más el compartirles lo que hemos aprendido. Ya aprenderán ellos después más cosas, derivadas de sus propias experiencias.

A final de cuentas, esos alumnos serán de algún modo, nuestros hijos intelectuales.

La Peluca de Iturbide

Dentro de los elementos que funcionan muy bien en espectáculos de cabaret está la exageración. Aquí un ejemplo de la caricaturización de un personaje histórico con desmedida cabellera.

Cuenta la historia que el personaje original era pelirrojo; claramente, no existen a la venta pelucas para caballero con patilla larga en ese color, así que hubo que hacer una a mano, igualando el tono y la textura.

Nunca contamos con que la peluca se esponjara tanto durante el show...

Sólo diré que su cabello fue un éxito! :P

"¡Eres falsa y cabaretera!" - La caricatura y joteria desmedidas en vestuario

Una de mis areas favoritas en vestuario y donde considero que el vestuarista escenico puede desbordar mas su creatividad, humor y joteria es en el diseño y realizacion de atuendos para cabaret.

Como genero o como estilo teatral, el cabaret permite total libertad creativa tanto a los escritores como al actor y al vestuarista, pues muchas de las cosas que normalmente se miden y cuidan en otros generos, o que incluso se prohiben, aqui son permitidos y hasta recomendables.

La caricaturizacion, la satira, la ironia y lo exagerado dan al cabaret una gran riqueza visual y verbal. La explosion de formas, colores, materiales y texturas hacen del vestuario un banquete visual y fomentan incluso la experimentacion.

El vestuario para cabaret siempre te enseña algo, te vuelve ingenioso y te hace aprender a resolver cuestiones complejas de funcionalidad escenica, por lo diferente de su planteamiento.

Por ejemplo, el hecho de que los actores generalmente tienen que cambiarse frente al publico o hacer transformaciones rapidas en escena, o el caso cuando un actor hace dos o mas personajes alternados.

Una buena solucion que encontre a este problema fue el vestuario reversible y otro el uso de capas de vestuario que el actor se va quitando.

Para estos cambios rapidos, que requieren agilidad en el actor y simplificacion en el vestuario, es importante considerar la funcionalidad de las prendas, pensando en las maneras mas faciles de quitar/poner y abrochar/desabrochar en escena.

Si un actor se pelea con su propio vestuario o este le estorba o acalora extremadamente en escena, el vestuario esta mal resuelto.

La funcionalidad es tanto o mas importante que la estetica de las prendas; sin embargo, en cabaret el vestuario DEBE ser lucidor, tener encanto, ingenio y glamour altamente jotorron.
Los brillos, las plumas, las lentejuelas y los acabados barrocos y llenos de detallitos levantan mucho a prendas que de base pueden ser muy sencillas.
El uso de transparencias, colores vivos y capas o empalmes de materiales enriqueceran el aspecto del vestuario tambien. Materiales como el tul, la organza, el satin y la licra no deben faltar, asi como el buen manejo del color, de preferencia audaz.

Continuidad, escenas de acción y efectos especiales

Algunos detalles que se deben contemplar al elaborar vestuario para cine no son evidentes frente a càmara, pero deben considerarse previamente a la realización de las prendas. Por ejemplo, la continuidad en el vestuario.
Generalmente en cine y televisión, las escenas se graban o filman de acuerdo a la locación donde se està trabajando. Es decir, al set o escenario armado en un foro, o al lugar donde los personajes actuan, sea interior o exterior.
Pocas veces se filman las escenas en el orden que aparecen cuando la película està terminada.
Esto quiere decir, que tanto el vestuario como el aspecto físico de los personajes y los objetos, debe cuidadosamente cuidarse y poderse recrear, para grabar en desorden las escenas sin que se note en el producto terminado.
Por ejemplo, vemos una escena donde una mujer sale de su recàmara por la mañana, camina hacia la cocina de su casa, toma una manzana del frutero, camina por el pasillo hasta la puerta, sale a la calle, camina hacia la esquina y aborda un taxi que la lleva al trabajo.
Aqui, a menos que la escena se filme sin cortes, la recàmara, el pasillo, la cocina, la calle frente a la casa y la esquina donde aborda el taxi la mujer, pueden o no estar juntos o incluso cerca los unos de los otros en la vida real; pero la mujer debe verse exactamente igual en todas las locaciones, porque esta secuencia de acciones corresponde a un mismo dìa en la historia del personaje.
Entonces, para lograr esta continuidad en el aspecto del personaje, el vestuarista debe llevar un registro escrito y fotogràfico de ese atuendo en particular del personaje, para que al filmar en esos sets o locaciones, se vea exactamente igual y de la impresión de ser un mismo lugar en un mismo día.

Por otra parte, cuando dentro de una película hay escenas de acción, caídas, golpes, balazos, transformaciones o cualquier tipo de situación brusca o accidente, el vestuarista deberà contemplar el hacer de 2 a 5 copias del atuendo completo del personaje que pasa por este tipo de situaciones, para posibles repeticiones en la toma de la escena, cambio de actores por stunts o dobles cinematogràficos, uso de protectores internos bajo la ropa en caídas, estopines para emular sangre brotando del cuerpo o balazos, etc., ademàs de tener estos cambios dobles o múltiples como apoyo a la continuidad, para poder filmar escenas con el personaje antes, durante o después de la escena de acción en la historia.

De la realidad a la fantasía...o al revés?

Una buena manera de enriquecer la textura y el acabado de una prenda de vestuario es combinar técnicas textiles de costura y pintura, para hacer que tanto el material como la prenda se vean más interesantes.

Este es un ejercicio de confección y realización de producción fotográfica que hice con Luis Montemayor, amigo y fotógrafo;Con Laura y Stephania, dos becarias de la ibero, y con Marisol, una talentosa y paciente chica que trabaja en mi taller experimental.

Modo de elaboración:

Tras hacer un boceto, junté retazos de telas distintas (y deshice una funda en quilt que tenía el sillón de mi sala! jaja) y durante tres meses trabajé este vestido con estas tres personas.

El atuendo que estan ustedes viendo tiene los siguientes procesos:

1. Teñido : para matizar todas las telas y unificar un poco la paleta de color.

2. Pintura textil con esténcil: para realzar las telas menos interesantes e integrarlas en el conjunto.

3. Bordado: para darle riqueza al tejido base y textura tanto visual como táctil.

4. Apliqué: esta técnica consiste en coser pedazos de tela en forma de figuras sobre lienzos más grandes, modificando el diseño base.El apliqué da textura tridimensional y táctil, también.

5. Patchwork:todos los retazos de tela fueron unidos en patrones irregulares, interrelacionando entre sí colores y texturas para unificar y dar homogeneidad cromática a las prendas.

El resultado fue un textil visualmente interesante y una prenda dinámica, que tenía en sí movimiento y riqueza en color y textura.

Mezclar este tipo de técnicas, puede suplir a la falta de presupuesto cuando no pueden comprarse materiales caros para la confección o incluso permitirle al vestuarista incursionar en el diseño y arte textil, teniendo una propuesta visual mucho más completa y personal.

Epoca y realismo en vestuario para cine

Dependiendo del gènero de la pelìcula y el estilo del guión, el vestuario puede apegarse en mayor o menor escala a la época y la sociedad que està representando, o no hacerlo del todo. Esto depende totalmente de la dirección de arte y el estilo visual que se le quiera dar a las prendas.
Existen películas inspiradas en una época, o apegadas históricamente a ella.
Cuando se retoma una fecha o lugar como inspiración para el diseño del vestuario de una obra o película, esto quiere decir que algunos elementos representativos se utilizaràn en el diseño y elaboración de las prendas, no toda una época como tal. La inspiración no es un retrato detallado, es un punto de partida que se intercalarà con propuestas originales del mismo diseñador.

Cuando se hace vestuario realista, se debe investigar a fondo y de manera detallada sobre lo siguiente:

Indumentaria masculina y femenina de la época (niños y adultos)
Accesorios, calzado, maquillaje y peinados utilizados en ese momento histórico.
Telas, forros, habilitaciones y acabados màs comunes en el período.
Patronaje, técnicas de confección, entretelado y estructura de las prendas.
Nombre, forma, estilo y aspecto de todas y cada una de las prendas que debe llevar el personaje abajo o encima del vestuario que es visible al público.
Estilo, colorido y materiales de uniformes y accesorios de personajes con cargos específicos como empleados domésticos, obreros, artesanos, campesinos, soldados de todos los rangos o cualquier oficio que requiera prendas determinadas o accesorios particulares.
Estilo y características de ropa formal, informal, de verano o invierno, pijamas y trajes de baño, ropa interior y de viaje de la época representada.

Todas estas consideraciones, ayudarán a hacer un buen retrato o recreación de cierta época, sin caer en errores, inexactitudes o descuidos por parte del vestuarista que, de así ocurrir, pueden denotar falta de minuciocidad, ignorancia, pobreza en la investigación sobre el tema y la época, o mediocridad.
Vale la pena recalcar aquí, que un vestuarista además de tener buen gusto y buen ojo, debe tener ese ojo bien educadito! :)